ЛАБОРАТОРИЯ АРТ-ЖУРНАЛИСТИКИ

Валерия БАСОВА

бакалавриат журналистики НИУ ВШЭ

Именитые дизайнеры и талантливые художники – это именно те люди, которым неоднократно удавалось перевернуть мир моды с ног на голову. Прежде никогда не взаимодействовавшие между собой, в одночасье они стали завсегдатаями не только культового клуба Studio 54, но и модного олимпа. Хольцер и Абло, Дали и Скиапарелли – fashion-индустрия всегда была открыта к сотрудничеству с гениями искусства. Но что же на самом деле значат эти коллаборации: золотая жила для президентов модных корпораций или возможность для молодых художников выйти на новый уровень, позволив поклонникам прикоснуться к искусству?

Модные тенденции цикличны, поэтому зачастую бренды обращаются к гранжевым восьмидесятым или «бандитским» девяностым. Одежда создает определенный образ, позволяющий нам идентифицировать человека; в особенности это касается знаменитостей, которые стали кумирами для миллионов людей. Провокационный и яркий, загадочный и харизматичный − Энди Уорхол был иконой Нью-Йорка семидесятых. И вот совсем недавно Calvin Klein решил объединить усилия с The Andy Warhol Foundation, чтобы у поклонников Энди появилась возможность приобрести вещи, украшенные кадрами из скандального «Поцелуя». Подобные сотрудничества позволяют брендам выпускать коллекции, которые не утратят своей актуальности и в следующем сезоне. Одни получают прибыль и возможность внести свой вклад в искусство, другие − шанс стать частью уникального перформанса в исполнении любимого художника, скульптора или музыканта.

Современные условия требуют от индустрии быть более открытой и восприимчивой. Достаточно вспомнить показ коллекции Off-White S/ S 2018, во время которого на подиум проецировались строчки из стихотворения Анны Свирщинской. Это сотрудничество в очередной раз показало, насколько сильно мода интегрирована с социумом. В то же время свое неравнодушие к окружающему миру решила выразить фотограф Энни Лейбовиц, которая сделала рекламную кампанию для Moncler с участием известного художника Лю Болина. Его перформансы обращают внимание на проблему человека и природы, экологии и защиты окружающей среды.

В современной истории моды случаются и разочарования, когда гиганты индустрии просто-напросто наносят принты полотен на свою  одежду. На вопрос, почему это выглядит смешно и так быть не должно,  может ответить Кристоф Шемен, сотрудничавший с Prada в 2016 году: «Роль дизайнеров не в том, чтобы искать хороших художников, которые помогут в создании коллекции, как и художники, не нуждающиеся в помощи  дизайнеров, не рвутся искать в покровители креативного директора модного Дома. Прибегнуть к такому сотрудничеству можно лишь в том случае, когда обе стороны заинтересованы в создании уникального произведения  искусства или перформанса, подразумевающего под собой непосредственный творческий обмен.» В качестве иллюстрации своей идеи Шемен приводит трикотажный бренд The Ritva Man из шестидесятых, который сумел зарекомендовать себя среди лондонской богемы, когда произведения Элизабет Фринк, Дэвида Хокни, Патрика Хьюза и Аллена Джонса появились в специальной арт-коллекции марки, выходившей ограниченным тиражом. Одежда продавалась вместе с пластиковыми коробами, в которых она могла выставляться, если ее не носили, так каждый предмет по праву считался арт-инсталляцией.

Когда Коко Шанель взялась за создание костюмов для дягилевских «Русских сезонов», а Казимир Малевич решил, что сможет воплотить свои творческие идеи в образах «Победы над Солнцем», никто и подумать не мог, что через какое-то время дизайнеры одежды и художники смогут беспрепятственно заменять друг друга. Например, Джанни Версаче сочетал в себе навыки живописца и портного.  Бисер,  драгоценности, крупные камни и техника декора, популярная в Париже 19-го века – все это смешалось в удивительно органичную симфонию, покорившую сердца миллионов модников по всему миру. Джинсовки, прошитые золотом, в руках мастера становились будто бы естественным дополнением к пышным шелковым юбкам, при этом Версаче использовал элементы поп-культуры (например, украсил огромной надписью «WHAAM!» платье, вдохновленное работой Роя Лихтенштейна). Джанни также был одарённым колористом, и пока остальные дизайнеры довольствовались двумя-тремя цветами палитры, ему не хватало и двадцати.

О чем же свидетельствуют коллаборации модных брендов и художников, которые стали появляться на мировых подиумах как никогда часто?  Бешеная динамика, присущая нашему времени, заставляет постоянно искать новые площадки для реализации собственных идей. По этой причине художники, вращающиеся в богемных кругах галерей и выставок, не прочь сотрудничать с модными Домами, ведь такие партнерства зачастую позволяют продемонстрировать свои работы более широкой публике. Но современные дизайнеры не должны забывать о собственной роли в разработке одежды, ведь существует опасность, что подобные сотрудничества могут перерасти в китч, который перестанет быть интересным кому-либо.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

В современной истории моды случаются и разочарования, когда гиганты индустрии просто-напросто наносят принты полотен на свою  одежду. На вопрос, почему это выглядит смешно и так быть не должно,  может ответить Кристоф Шемен, сотрудничавший с Prada в 2016 году: «Роль дизайнеров не в том, чтобы искать хороших художников, которые помогут в создании коллекции, как и художники, не нуждающиеся в помощи  дизайнеров, не рвутся искать в покровители креативного директора модного Дома. Прибегнуть к такому сотрудничеству можно лишь в том случае, когда обе стороны заинтересованы в создании уникального произведения  искусства или перформанса, подразумевающего под собой непосредственный творческий обмен.» В качестве иллюстрации своей идеи Шемен приводит трикотажный бренд The Ritva Man из шестидесятых, который сумел зарекомендовать себя среди лондонской богемы, когда произведения Элизабет Фринк, Дэвида Хокни, Патрика Хьюза и Аллена Джонса появились в специальной арт-коллекции марки, выходившей ограниченным тиражом. Одежда продавалась вместе с пластиковыми коробами, в которых она могла выставляться, если ее не носили, так каждый предмет по праву считался арт-инсталляцией.

Когда Коко Шанель взялась за создание костюмов для дягилевских «Русских сезонов», а Казимир Малевич решил, что сможет воплотить свои творческие идеи в образах «Победы над Солнцем», никто и подумать не мог, что через какое-то время дизайнеры одежды и художники смогут беспрепятственно заменять друг друга. Например, Джанни Версаче сочетал в себе навыки живописца и портного.  Бисер,  драгоценности, крупные камни и техника декора, популярная в Париже 19-го века – все это смешалось в удивительно органичную симфонию, покорившую сердца миллионов модников по всему миру. Джинсовки, прошитые золотом, в руках мастера становились будто бы естественным дополнением к пышным шелковым юбкам, при этом Версаче использовал элементы поп-культуры (например, украсил огромной надписью «WHAAM!» платье, вдохновленное работой Роя Лихтенштейна). Джанни также был одарённым колористом, и пока остальные дизайнеры довольствовались двумя-тремя цветами палитры, ему не хватало и двадцати.

О чем же свидетельствуют коллаборации модных брендов и художников, которые стали появляться на мировых подиумах как никогда часто? Мода и искусство неразрывно связаны, так как вполне успешно дополняют друг друга, привнося нечто новое и уникальное в дизайн. Постепенно границы, разделяющие эти сферы, становятся все более размытыми. Но можно ли разделить моду и коммерцию на независящие друг от друга компоненты? А моду и искусство? Навряд ли. Важно понимать, что мода не нацелена на определенный результат − в противном случае мы бы не смогли следить за вихрем тенденций, которые предлагает современная индустрия. Бешеная динамика, присущая нашему времени, заставляет постоянно искать новые площадки для реализации собственных идей. По этой причине художники, вращающиеся в богемных кругах галерей и выставок, не прочь сотрудничать с модными Домами, ведь такие партнерства зачастую позволяют продемонстрировать свои работы более широкой публике. Но современные дизайнеры не должны забывать о собственной роли в разработке одежды, ведь существует опасность, что подобные сотрудничества могут перерасти в китч, который перестанет быть интересным кому-либо. Ведь искусство, как и мода, подразумевает свободу самовыражения и безграничное творчество, не подвластные временным трендам.

 

 


продюсер анна новикова

Меня зовут Анна Новикова. Я продюсер этого сайта и член редколлегии журнала "Художественная культура". Доктор культурологии, художественный критик, профессор факультета коммуникаций, медиа и дизайна НИУ Высшая школа экономики, академический руководитель магистерской программы "Трансмедийное производство в цифровых индустриях".

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *